Ανεξάρτητα από το εύρος των αγαπημένων τους θεμάτων,  οι περισσότεροι καλλιτέχνες έχουν ασχοληθεί με την τέχνη της προσωπογραφίας η οποία έχει ρίζες από τα αρχαία χρόνια. Καθορισμένο από απεικονίσεις ανθρώπων, αυτό το είδος ασκήθηκε από τους σημαντικότερους καλλιτέχνες.

Ενώ οι καλλιτέχνες πίσω από αυτά τα έργα τέχνης είναι παγκοσμίως γνωστοί, τα θέματα είναι συχνά λιγότερο προφανή. Η γνώση της ιστορίας για τα θέματα των πινάκων μπορεί να μας βοηθήσει να δούμε αυτά τα γνωστά και διάσημα πορτρέτα με νέο πρίσμα.

To πορτραίτο Arnolfini- Jan van Eyck, 1434

Γεννημένος στο σημερινό Βέλγιο, ο καλλιτέχνης Jan van Eyck ήταν πρώτος δεξιοτέχνης της ζωγραφικής με λάδια και το χρησιμοποίησε για να δημιουργήσετε σχολαστικά λεπτομερείς συνθέσεις. Το πιο εξέχον έργο του, Το πορτρέτο του  Arnolfini παραμένει ένα σύμβολο της Βόρειας Αναγέννησης - ενσωματώνοντας πολλά από τα αισθητικά ιδανικά και τις τεχνικές καινοτομίες της εποχής. Η ανορθόδοξη τοποθέτηση της υπογραφής του van Eyck ακριβώς από πάνω υποδηλώνει ότι ένας από τους άνδρες μπορεί να είναι ο ίδιος ο καλλιτέχνης.

Απεικονίζει έναν πλούσιο έμπορο -που υποτίθεται ότι είναι ο Giovanni di Nicolao Arnolfini-και τη σύζυγό του σε ένα πολυτελώς διακοσμημένο δωμάτιο που δείχνει τον πλούσιο βίο τους. Η κόμμωση της γυναίκας υποδηλώνει ότι είναι όντως παντρεμένο ζευγάρι, καθώς μόνο ανύπαντρες γυναίκες είχαν λυτά τα μαλλιά τους στη Φλάνδρα του 15ου αιώνα. Ωστόσο, σε αντίθεση με ό,τι πιστεύουν πολλοί τηλεθεατές, η σύζυγος δεν είναι έγκυος, αλλά κρατά μόνο το ογκώδες φόρεμά της στο στήθος της, που συνηθιζόταν για την εποχή. To ζευγάρι πιάνεται χέρι χέρι σε ένα εσωτερικό περιβάλλον, με ένα παράθυρο πίσω από τον άνδρα και ένα κρεβάτι πίσω τη γυναίκα σε φυσικό συμβολισμό συζυγικών ρόλων του δέκατου πέμπτου αιώνα. 

Mona Lisa- Leonardo da Vinci, 1503–1516

Αναμφισβήτητα το πιο διάσημο πορτρέτο της ιστορίας της τέχνης, η Mona Lisa ζωγραφίστηκε από τον Ιταλό καλλιτέχνη, εφευρέτη και συγγραφέα Leonardo da Vinci το 1506. Το αριστούργημα είναι ένα πορτρέτο μιας καθισμένης γυναίκας σε ένα δωμάτιο με τουλάχιστον μια ανοιχτή πλευρά που βλέπει σε ένα μουντό φυσικό τοπίο. Η φιγούρα κοιτάζει προς τον θεατή και χαμογελά απαλά.

Ήταν  3 Νοεμβρίου του 1507, όταν ο σύζυγος της Lisa Gerardini- ένας πλούσιος έμπορος από τη Βενετία, Francesco del Giocondo- μισθώνει τις υπηρεσίες του θρυλικού Leonardo da Vinci για να ζωγραφίσει το πορτρέτο της γυναίκας του. Ο Ιταλός μετρ, δημιουργεί το χαμόγελο που θα μείνει στην ιστορία. Αυτό της “Μona Lisa”.

Πρόκειται για μια ελαιογραφία σε ξύλο λεύκης, που ολοκληρώθηκε μέσα στη χρονική περίοδο 1503-1519. Αποτελεί ιδιοκτησία του Γαλλικού κράτους, και εκτίθεται στο Μουσείο του Λούβρου, στο Παρίσι. Ο πίνακας απεικονίζει μία καθιστή γυναίκα, τη Lisa del Giocondo. Για την αινιγματική έκφραση του προσώπου έχουν χυθεί τόνοι μελάνης. Δεν θεωρείται, λοιπόν, τυχαία το πιο διάσημο έργο ζωγραφικής.

Μια γυναίκα με καστανά μαλλιά και μάτια, μεγάλο μέτωπο και στρογγυλό σαγόνι. Φορά ένα κομψό πλισέ πέπλο, τα χέρια της ακουμπούν στο μπράτσο της καρέκλας. Βρίσκεται στο μπαλκόνι και κάτω η θέα είναι υπέροχη, γεμάτη δρόμους, ποταμούς, λόφους, κοιλάδες. Εδώ, όμως, υπάρχει ένας γρίφος που βρίσκεται στην έκφραση της συγκεκριμένης γυναίκας. Δεν έχει τυχαία χαρακτηριστεί ως αινιγματική. Είναι κάτι το ανεξιχνίαστο. Οι Ιταλοί έχουν μια λέξη που ερμηνεύει το χαμόγελό της: sfumato. Αυτό σημαίνει πως είναι θολή, ασαφή και όπου φτάνει η φαντασία εικόνα. Όποιος την κοιτάζει δεν μπορεί να είναι σίγουρος για τα συναισθήματά της.  Σαν να υπάρχει μία καλυμμένη ασάφεια. Θα μπορούσε να παρομοιαστεί ως η καλύτερη απεικόνιση του Θείου. Δεν ξέρεις αν χαμογελάει ή αν είναι θλιμμένη. Αναρωτιέσαι αν είναι θετική απέναντί σου ή σε κοροϊδεύει. Αν κάθεται στο μπαλκόνι της και είναι καταδεκτική ή απόμακρη.Είναι ένα μυστήριο. Ακριβώς όπως ο Θεός. Περιγράφει αυτό που ο άνθρωπος αισθάνεται απέναντι στο Θεό. 

“Η δυνατή και ακίνητη φυσιογνωμία της Gioconda μας θυμίζει τις εικόνες της Παναγίας όπως τις ζωγράφιζαν οι βυζαντινοί ζωγράφοι και οι Ιταλοί πριμιτίφ συνεχίζοντας μια παράδοση πιο παλιά κι απʼ την αρχαϊκή Δήμητρα ή από τη Μεγάλη Μητέρα των Ρωμαίων. Θα μπορούσαμε να πούμε ότι είναι ο τελευταίος μεγάλος θρησκευτικός πίνακας που ζωγραφίστηκε”.

Tο κορίτσι με το μαργαριταρένιο σκουλαρίκι- Johannes Vermeer, περ. 1665

Γυρίζοντας προς τα αριστερά της, ρίχνει μια ξαφνική ματιά προς εμάς.  Το απαλό της δέρμα μοιάζει φωτεινό σαν το φεγγάρι στον νυχτερινό ουρανό. Φορά στο κεφάλι της ένα εντυπωσιακό τουρμπάνι στα χρώματα του γαλάζιου και του κίτρινου, ενώ ένα επιβλητικό μαργαριτάρι κρέμεται από τον λοβό των αυτιών της. Η υγρασία που έχει πετύχει ο καλλιτέχνης στα χείλη της, δίνουν την εντύπωση ότι το κορίτσι αυτό είναι έτοιμο να μιλήσει. Τα λόγια της, ωστόσο, παραμένουν μυστήριο.  

Σαγηνευτικό αλλά σιωπηλό, αυτό το εξαιρετικό ανώνυμο πλάσμα είναι γνωστό απλά ως «Το κορίτσι με το μαργαριταρένιο σκουλαρίκι» που δημιουργήθηκε γύρω στα 1665 από έναν από τους κυρίους της τέχνης της Ολλανδικής Χρυσής Εποχής. Τον Johannes Vermeer. Ο μεγαλύτερος από τους Ολλανδούς ζωγράφους που πήρε το θέμα του από την καθημερινή ζωή. Δεν είναι τυχαίο ότι πρόκειται για τον πιο διάσημο πίνακα του καλλιτέχνη. 

`Ενα αριστούργημα της Ολλανδικής Χρυσής Εποχής που μαγνήτισε τους θεατές με το βλέμμα της από τότε που ο πίνακας επανήλθε στα τέλη του 19ου αιώνα. 

Πολύ λίγα είναι γνωστά για το “Κορίτσι με το μαργαριταρένιο σκουλαρίκι” καθώς κανείς εκείνη την εποχή δεν σκέφτηκε να καταγράψει τις προσπάθειες του Vermeer. Παρ `όλα αυτά, οι ιστορικοί τέχνης έχουν διαπιστώσει αρκετά σημαντικά γεγονότα σχετικά με τον πίνακα όσον αφορά τη σύνθεση και το θέμα του.

Σύμφωνα με πρόσφατη έρευνα, ο μαύρος χώρος πίσω από το μοντέλο του Vermeer ήταν αρχικά βαμμένος σε σκούρο πράσινο χρώμα. Πολλοί άλλοι σύγχρονοι καλλιτέχνες χρησιμοποίησαν παρόμοιες τεχνικές για να τονίσουν τα αντιθετικά, ανοιχτόχρωμα χρώματα ή να οξύνουν τις κεντρικές εικόνες. Ο Vermeer φαίνεται να έχει ενισχύσει την αντίθεση σο πλαίσιο προσθέτοντας μια γυαλιστερή γυαλάδα στο φόντο του πίνακα για να αναδείξει τους βαθείς, πράσινους τόνους του.

Είναι ενδιαφέρον να σημειωθεί ότι ο πίνακας ήταν γνωστός ως “Το Κορίτσι με το Τουρμπάν” ή απλά Το νεαρό Κορίτσι” για το μεγαλύτερο μέρος της ύπαρξής του, ενώ έλαβε το σημερινό του όνομα μόλις πριν από έναν αιώνα. Όπως και άλλοι καλλιτέχνες της εποχής του, ο Vermeer απολάμβανε ζωγραφικές φιγούρες ντυμένες με ενδυμασίες της Μέσης Ανατολής, εν μέρει λόγω του εξωτισμού που αποδόθηκε σε μη ευρωπαϊκές κοινωνίες.

Καθώς το μοντέλο του είναι ντυμένο με ένα τουρμπάνι, πολλοί ιστορικοί τέχνης υποστηρίζουν ότι ο πίνακας του Vermeer δεν πρέπει να κατηγοριοποιηθεί ως πορτρέτο, καθώς αυτό το στυλ σύνθεσης συνήθως μεγενθύνει την κοινωνική θέση του υποκειμένου του παρουσιάζοντας αντικείμενα που σχετίζονται με τη σφαίρα επιρροής τους. Αντ `αυτού, οι περισσότεροι μελετητές συμφωνούν ότι το “Το κορίτσι με το μαργαριταρένιο σκουλαρίκι” ανήκει σε ένα είδος ζωγραφικής που ονομάζεται Tronie και ξεκίνησε στις Κάτω χώρες την εποχή του Βερμέερ. Αυτός ο τύπος έργου τέχνης συχνά απεικόνιζε χαρακτήρες ή αρχέτυπα παρά πραγματικούς ανθρώπους και συνήθως επικεντρωνόταν σε μοντέλα ντυμένα με φανταστικά ρούχα τα οποία πόζαραν σε ορισμένες υπερβολικές θέσεις.

Ενώ είναι αδύνατο να προσδιοριστεί το μοντέλο του Vermeer, λόγω παντελούς έλλειψης στοιχείων, λέγεται ότι μπορεί να ζήτησε από μια από τις επτά κόρες του να καθίσει για τον πίνακα. 

Σύμφωνα μάλιστα με του περισσότερους ιστορικούς τέχνης απεικονίζει την 16χρονη κόρη του ζωγράφου, Μαρία, η οποία έχει χρησιμοποιηθεί κι άλλες φορές ως μοντέλο σε άλλους πίνακες του. Ωστόσο, υπάρχουν φήμες πως το κορίτσι του πίνακα δεν είναι άλλη από την 16χρονη υπηρέτρια του Jonannes, Griet, με την οποία λέγεται ότι ο ζωγράφος είχε ζήσει έναν θυελλώδη, αλλά μάλλον πλατωνικό έρωτα λόγω της μεγάλης διαφοράς ηλικίας τους. 

H Μητέρα του Whistler- James Abbott McNeill Whistler, περ. 1871

Ένας από τους καλλιτέχνες που ξεχώρισαν στα τέλη του 19ου αιώνα ήταν ο James Abbott McNeill Whistler ο οποίος πρότεινε μια πιο συναισθηματική και λεπτή ζωγραφική, παρόμοια με το Ρομαντικό κίνημα, αλλά πολύ διαφορετική και προοδευτική. Ο καλλιτέχνης ήταν αρκετά πεισματάρης για να ακολουθήσει μια καλλιτεχνική καριέρα και να δημιουργήσει ένα πολύ προσωπικό στυλ. Ένας από τους μεταγενέστερους πίνακές του αντικατοπτρίζει καλύτερα όλες αυτές τις προσπάθειες - ονομάζεται Arrangement in Grey and Black No.1, αλλά είναι πολύ πιο γνωστός ως "Η μητέρα του Whistler" (΅Whistler`s mother).

Αυτό το έργο τέχνης δημιουργήθηκε το 1871, ενώ ο καλλιτέχνης ζούσε στο Λονδίνο και ο κύριος πρωταγωνιστής του ίδιου είναι η μητέρα του καλλιτέχνη Anna McNeill Whistler. Έγινε με παραδοσιακό τρόπο σε λάδι σε καμβά και εμφανίστηκε σε ειδικό πλαίσιο σχεδιασμένο από τον ίδιο τον Whistler. Ο πίνακας αγοράστηκε από το γαλλικό κράτος το 1891 και από τότε προβάλλεται και φυλάσσεται στο Μουσείο Orse στο Παρίσι.

"Η βικτοριανή Mona Lisa", όπως συχνά ονομάζεται, θεωρείται ένα από τα πιο γνωστά αμερικανικά έργα τέχνης έγινε εκτός των Ηνωμένων Πολιτειών και με τo πέρασμα του χρόνου, έγινε εμβληματική λόγω της συχνής παρουσίας της στη λαϊκή κουλτούρα.

Ο εν λόγω πίνακας αντιπροσωπεύει μια πιο ώριμη φάση του χαρακτηρίζεται από τη ριζική χρήση απλού χρωματισμού. Όλη η σύνθεση υπογραμμίζει την ταπεινότητα μιας αξιοπρεπούς και ηθικά άψογης Βικτωριανής γυναίκας η οποία αφιέρωσε τη ζωή της στην οικογένειά σας. Ήταν μια άριστη μητέρα και νοικοκυρά. Η Άννα έμεινε χήρα στα σαράντα πέντε και ήταν πολύ αφοσιωμένη στα παιδιά της. Το 1864, μετακόμισε στο Λονδίνο για να είναι πιο κοντά τους και συνειδητοποίησε τον μποέμικο τρόπο ζωής του γιου της.

Madame X- John Singer Sargent, 1884

Τα περισσότερα έργα τέχνης εμπεριέχουν μυστήριο. Ένα αντιπροσωπευτικό παράδειγμα είναι το πορτρέτο που δημιούργησε ο John Singer Sargent για την Αμερικανίδα σύζυγο ενός Γάλλου τραπεζίτη- της Virginie Anegno Gautreau- το οποίο εξοργίσε τους κριτικούς όταν εκτέθηκε για πρώτη φορά στο Salon του Παρισιού 1884. Ο Sargent ήλπιζε ότι με αυτό το πορτρέτο θα έκανε την καριέρα του. Ο πίνακας, ωστόσο, πυροδότησε ένα σκάνδαλο τέτοιου μεγέθους που οδήγησε τον καλλιτέχνη στην Αγγλία σε εξορία. 

 Τι ήταν όμως αυτό που είχε προσβάλει τόσο την υψηλή κοινωνία του Παρισιού;

 Ενώ η εμφανής σεξουαλικότητα της εικόνας  θα ήταν αναμενόμενη για μια ηρωίδα της μυθολογίας και ανεκτή για μια “ιερόδουλη” που πόζαρε ως μοντέλο σε κάποιον καλλιτέχνη,  ήταν απολύτως απειλητική για τη γυναίκα της elite κοινωνίας.

Το πορτρέτο δείχνει μια γοηευτική κοπέλα να ποζάρει με ένα μαύρο σατέν φόρεμα με πολύτιμα χρυσά πιασίματα στους ώμους. Ο χλωμός τόνος της έρχεται σε αντίθεση με το σκούρο χρώμα του φορέματος και το  φόντο.

Το μοντέλο έγινε διάσημο στην υψηλή κοινωνία του Παρισιού για την ομορφιά της και τις φημολογούμενες απιστίες, ενώ στους καλλιτέχνες αποτέλεσε αντικείμενο γοητείας. 

Ο εν λόγω πίνακας δεν ανατέθηκε αλλά δημιουργήθηκε κατόπιν αιτήματος του Sargent. Ο Sargent έγραψε σε έναν φίλο του:

“Έχω μεγάλη επιθυμία να ζωγραφίσω το πορτρέτο της και έχω λόγο να πιστεύω ότι θα το επέτρεπε και περιμένει κάποιον να αποτείνει αυτό το φόρο τιμής στην ομορφιά της”. 

Ένας πίνακας που  κατέληξε σε σκάνδαλο μετά την αμφιλεγόμενη υποδοχή του πίνακα στο Salon του Παρισιού το 1884 καθώς οι άνθρωποι σοκαρίστηκαν μόλις αποκαλύφθηκε.

Η προσπάθεια να διατηρηθεί η ανωνυμία της κοπέλας καλώντας την εικόνα "Portrait de Mme ***" ήταν ανεπιτυχής, ενώ η μητέρα της ζήτησε από τον Sargent να αποσύρει τον πίνακα από την έκθεση.

Ο Sargent αρνήθηκε, αλλά αργότερα, ζωγράφισε τα τιραντάκια στους ώμους για να τον κάνει το σώμα να φαίνεται πιο καλυμμένο. Αρχικά, όπως εκτέθηκε, το δεξί τιραντάκι στο φόρεμα ήταν ζωγραφισμένο λες και είχε γλιστρήσει από τον ώμο.

Άλλαξε επίσης τον τίτλο σε "Madame X" - ένα όνομα πιο δραματικό και μυστηριώδες ώστε να δώσει την ψευδαίσθηση του αρχέτυπου της γυναίκας. 

Γυναίκα με καπέλο- Henri Matisse, 1905

Το 1905, ο καλλιτέχνης Henri Matisse ζωγράφισε τη Γυναίκα με ένα καπέλο, ένα πολυχρωματικό πορτρέτο της συζύγου του, Amélie. Εκτός από την προβολή της εκφραστικής προσέγγισης του Matisse στη ζωγραφική και τη διαμόρφωση του Φωβισμού, αυτός ο πίνακας επισημαίνει παιχνιδιάρικα το πραγματικό επάγγελμα της Amélie: την ιδιοκτησία ενός μαγαζιού με καπέλα.

Ενώ η Amelie εργαζόταν ως μάνατζερ του συζύγου της για πολλά χρόνια, η εμμονή του με την τέχνη του τελικά τους χώρισε. «Σ’ αγαπώ πολύ, mademoiselle», είπε ο Matisse στη γυναίκα του, «αλλά πάντα θα μου αρέσει να ζωγραφίζω περισσότερο».

Αν και χώρισαν το 1939 μετά από περισσότερα από 40 χρόνια γάμου, τόσο οι ρομαντικές όσο και οι εργασιακές τους σχέσεις απαθανατίζονται από τη “Γυναίκα με καπέλο”  και πολλούς άλλους πίνακες.

Πορτραίτο της Gertrude Stein - Pablo Picasso, 1905–6

Στις αρχές του 20ου αιώνα, η διάσημη συγγραφέας και συλλέκτης έργων τέχνης Gertrude Stein αφού μετακόμισε από το Όκλαντ της Καλιφόρνια στη γαλλική πρωτεύουσα το 1903, συνεργάστηκε στενά με σημαντικές προσωπικότητες του μοντερνισμού, από πρωτοποριακούς συγγραφείς όπως ο Frances Scott Fitzgerald και ο Ernest Hemingway μέχρι καλλιτέχνες avant-garde όπως o Henri Matisse και ο Pablo Picasso.

Η υποστήριξη της Stein ήταν ιδιαίτερα σημαντική για τον Picasso , ο οποίος θεωρεί την προστασία της καταλυτική για την πρώιμη επιτυχία του.  Το 1905, ζωγράφισε ένα πορτρέτο της Stein σε στυλ τυπικό της Ροζ περιόδου, μια φάση που χαρακτηρίζεται από μια ζεστή χρωματική παλέτα και νότες «πρωτόγονων» επιρροών, όπως αφρικανικές μάσκες και ιβηρική γλυπτική.

Πέρα από την απεικόνιση των βασικών χαρακτηριστικών αυτής της σημαντικής περιόδου, το Πορτραίτο της Gertrude Stein αποτυπώνει επίσης την αυτοπεποίθηση της συμπεριφοράς και την αυτοδημιούργητη κατάσταση της - προς μεγάλη ικανοποίηση της Stein. «Ήμουν και εξακολουθώ να είμαι ικανοποιημένη με το πορτρέτο μου, για μένα, είμαι εγώ, και είναι η μόνη αναπαραγωγή μου που είμαι πάντα εγώ, για μένα», έγραψε στο βιβλίο της, Picasso.

Πορτραίτο της Adele Bloch-Bauer- Gustav Klimt, 1907

Ο Gustav Klimt απεικονίζει τα θέματά του ως μυθικές φιγούρες που έγιναν σύγχρονες και διαχρονικές, από πολυτελείς επιφάνειες με επίκαιρα γραφικά μοτίβα. 

Σε αυτό το πορτρέτο, είναι δύσκολο να διαβάσει κανείς όλα όσα θα μπορούσαν συμβαίνουν πίσω από τα σκούρα, αινιγματικά μάτια της Adele Bloch-Bauer. Της μόνης γυναίκας που στο τέλος του αιώνα ο  Αυστριακός καλλιτέχνης Gustav Klimt, απεικόνισε όχι μία, αλλά δύο φορές. Αλλά αυτή είναι σαφώς μια γυναίκα βάθους και μυστηρίου. Δύο εμβληματικά πορτρέτα με την  αμφιλεγόμενη εδώ και πολύ καιρό Adele Bloch-Bauer I (1907) και τη λιγότερο γνωστή αλλά όχι λιγότερο εκπληκτική Adele Bloch-Bauer II ( 1912).

 H Adele Bloch-Bauer ήταν μια μανιώδης προστάτιδα της τέχνης στο κέντρο της πολιτιστικής ζωής της Βιέννης. Και όταν πόζαρε για ένα πορτρέτο του Klimt, μεταμορφώθηκε σε εικόνα.

Η Adele είναι αυτή, η «χρυσή γυναίκα», που ενέπνευσε τον σπουδαίο καλλιτέχνη, ενώ τα δύο έργα του όπου αποτυπώνει την ιδιαίτερη ομορφιάς της, αντιπροσωπεύουν την κορυφή της “χρυσής περιόδου”.

Η Adele Bloch-Bauer, φωτογραφημένη γύρω στο 1910, με καταγωγή από εξέχουσα εβραϊκή οικογένεια της Βιέννης 

Στη μεταπολεμική Βιέννη η εικόνα της έγινε σύμβολο του αυστριακού πολιτισμού. Την Adele Bloch-Bauer I την αποκαλούσαν “αυστριακή Μοna Lisa”. Ο πίνακας αργότερα έγινε ένα εικονίδιο της δικαιοσύνης. Η ταινία του 2015 “Woman in Gold” είναι η χολιγουντιανή εκδοχή της ιστορίας της κατάσχεσης του πίνακα από την εβραϊκή οικογένεια Bloch-Bauer κατά τη διάρκεια του Β `Παγκοσμίου Πολέμου και του μακρύ αλλά τελικά επιτυχημένου αγώνα για αποκατάσταση από την ανιψιά του Bloch-Bauer, Maria Altman. Τον περασμένο αιώνα, πολλοί θεατές του πίνακα ρωτούσαν: ποια ήταν η Adele Bloch-Bauer; 

Η Αdele Bloch-Bauer γεννήθηκε στη Βιέννη το 1881. Κόρη διευθυντή τράπεζας με μια προνομιούχα ζωή. Στα 19 της, παντρεύτηκε τον Ferdinard Bloch έναν μεγιστάνα ζάχαρης 17 χρόνια μεγαλύτερό της. Ο Ferdinard λάτρεψε τη νεαρή γυναίκα και σύντομα τη ζήτησε σε γάμο. Αξίζει να σημειωθεί ότι και οι δύο έγιναν Bloch-Bauers. Tα αδέλφια τους παντρεύτηκαν επίσης, κάνοντας δύο ζευγάρια με το ίδιο ενωτικό επώνυμο. Η οικογένεια ήταν μανιώδεις προστάτες τέχνης, όχι μόνο συλλέγοντας αλλά και παραγγέλλοντας πίνακες ζωγραφικής-και ο Gustav Klimt  ήταν ένας από τους αγαπημένους τους καλλιτέχνες. Το πρώτο πορτρέτο της Adele συζητήθηκε αρχικά σε μια επιστολή που έγραψε τότε ο 22χρονος στον Klimt 1903. Ο Φερδινάνδος το παρήγγειλε ως δώρο για την επέτειο των γονέων της Adele.

American Gothic- Grant Wood, 1930

Ένας πατέρας με αρκετά βλοσυρό ύφος κρατά στο χέρι του ένα δικράνι συμβολίζοντας την χειρωνακτική εργασία με την οποία ασχολούνταν κυρίως οι άνδρες. Με ρόλο πάνω απ’όλα εξουσιαστικό στέκεται δίπλα στην σκυθρωπή κόρη του. Κι αν η Mona Lisa θεωρείται ο πιο γνωστός πίνακας του κόσμου, για την αμερικανική ζωγραφική, η παραπάνω εικόνα που δημιούργησε ο Grant Wood το 1940 είναι η πιο αναγνωρίσιμη. ‘Ενας κτηματίας μαζί με την κόρη του μπροστά από ένα αγροτόσπιτο να απεικονίζουν τους άκρως συντηρητικούς, παραδοσιακούς ρόλους των δύο φύλων στην αμερικανική αγροτική κοινωνία.

Ο Grant Wood εμπνεύστηκε να ζωγραφίσει αυτό που είναι σήμερα γνωστό ως American Gothic στο Elton της Iowa, μαζί με "το είδος των ανθρώπων που φανταζόταν ότι θα έπρεπε να ζουν σε αυτό το σπίτι". Δεν είναι λίγοι εκείνοι που  λανθασμένα θεωρούν ότι η γυναίκα είναι η σύζυγος. Ο πίνακας πήρε το όνομά του από το αρχιτεκτονικό στυλ του σπιτιού.

Ο καλλιτέχνης δημιούργησε ένα από τα εμβληματικότερα  και ίσως το πιο γνωστό έργο της αμερικανικής τέχνης του εικοστού αιώνα.

Αυτό το "αμερικανικό γοτθικό" είναι το έργο τέχνης που ανέβασε στην κορυφή τον Wood, ο οποίος ήταν προηγουμένως σχετικά άγνωστος ζωγράφος ιμπρεσιονιστικών τοπίων, εμπνευσμένων από τη Γαλλία. Η στιγμή της διασημότητας για εκείνον ήταν στο Ινστιτούτο Τέχνης του Σικάγο το 1930.

Απεικονίζοντας ένα αγροτικό ζευγάρι με αυστηρή εμφάνιση, αυτό το απατηλά απλό πορτρέτο έχει αιχμαλωτίσει τη φαντασία του έθνους, παρωδώντας την ποπ κουλτούρα. Παρά το ότι ο Wood σκόπευε να είναι μια θετική δήλωση για τις αμερικανικές αξίες της υπαίθρου, το νόημα της "αμερικανικής γοτθικής" έχει αλλάξει με την πάροδο των ετών.

Ωστόσο, η ιστορία πίσω από τη δημιουργία και τη φήμη του κάνει τον πίνακα ακόμα πιο συναρπαστικό.

Πιστεύοντας στην πολιτιστική υπεροχή της Ευρώπης στην αρχή της καριέρας του, ο Grant Wood μελέτησε το έργο των Γάλλων ιμπρεσιονιστών, αφομοιώνοντας το στυλ τους στην πρακτική του. Στα τέλη της δεκαετίας του 1920, ωστόσο, ο ζωγράφος συνειδητοποίησε ότι η αμερικανική τέχνη έπρεπε να απεγκλωβιστεί από την ευρωπαϊκή και να εκφράσει τον αμερικανικό χαρακτήρα και τον πολιτισμό των δικών τους περιοχών.

Εγκαθίσταται στην Iowa και προσελκύεται όλο και περισσότερο από τις μεσοδυτικές παραδόσεις και τον πολιτισμό που θα εξυμνήσει στην πορεία στα έργα του. Χρησιμοποιώντας τη σκληρή ακρίβεια και τη σχολαστική λεπτομέρεια για να μεταδώσει ένα ξεχωριστά αμερικάνικο στυλ, ο Wood άρχισε να ζωγραφίζει τύπους και όχι άτομα, δημιουργώντας καθολική και διαχρονική αφήγηση.

Αφήνοντας τα έργα του σκόπιμα διφορούμενα, δημιούργησε παζλ για να αποκρυπτογραφήσουν οι θεατές.

Επισκεπτόμενος το Έλντον της Αϊόβα το καλοκαίρι του 1930, κεντρίζεται το ενδιαφέρον του από ένα μικρό λευκό εξοχικό σπίτι με ένα ενιαίο παράθυρο, βασισμένο σε ένα στυλ γνωστό ως Carpenter Gothic. Σχεδίασε το σπίτι σε ένα φάκελο, αποφασισμένο να το χρησιμοποιήσει ως φόντο σε αυτό που θα γίνει ο πιο διάσημος πίνακάς του.

Στην "αμερικανική γοτθική", ο ζωγράφος χρησιμοποίησε τη δική του η αδερφή Nan και τον  οδοντίατρό τουByron McKeeby ως μοντέλα για έναν αγρότη και την κόρη του. Παρόλο που και τα δύο μοντέλα του δημιουργήθηκαν ρεαλιστικά, το πρόσωπο της αδερφής του είναι κάπως μακρόστενο. Όπως εξήγησε ο ίδιος ο Wood

“Φαντάστηκα Αμερικανούς Γοτθικούς ανθρώπους με τα πρόσωπά τους πολύ τεντωμένα πολύ για να ταιριάζουν με αυτό το αμερικάνικο γοτθικό σπίτι”