11 Αυγούστου 2022

Jackson Pollock | Ο καλλιτέχνης με τα έργα που χορεύουν με ενέργεια & ζωή

Ένας από τους πιο διάσημους καλλιτέχνες όλων των εποχών, ο Αμερικανός Jackson Pollock είναι παγκοσμίως γνωστός για τα ρυθμικά, εκφραστικά έργα τέχνης του.
Ένας από τους πιο διάσημους καλλιτέχνες όλων των εποχών, ο Αμερικανός Jackson Pollock είναι παγκοσμίως γνωστός για τα ρυθμικά, εκφραστικά έργα τέχνης του.

 

Ένας από τους διασημότερους καλλιτέχνες όλων των εποχών, ο Jackson Pollock είναι παγκοσμίως γνωστός για τους ρυθμικούς, εκφραστικούς καμβάδες του που μοιάζουν να πάλλονται με ενέργεια και ζωή. Με καταγωγή από τη Νέα Υόρκη των δεκαετιών του 1940 και του 1950, οι ελεύθερες ζωγραφιές του ενσωματώνουν το εφευρετικό πνεύμα του αμερικανικού αφηρημένου εξπρεσιονισμού.

Πρωτοπόρος του Action Painting, εφηύρε την «τεχνική σταγόνας», εφαρμόζοντας υγρή μπογιά σε χαλαρά, γραμμικά νήματα σε όλη την επιφάνεια για να δημιουργήσει περίπλοκα, μοτίβα κίνησης που μοιάζουν με ιστό, ωθώντας το περιοδικό Time να τον αποκαλέσει «Jack ο Σταλάκτης».American artist Jackson Pollock at his Springs studio in East Hampton, New York State, 23rd August 1953.

Από αγρότης…καλλιτέχνης

 

Γεννημένος σε μια φάρμα στο Cody του Wyoming το 1912, ο Pollock ήταν το νεότερο από τα πέντε παιδιά της οικογένειας. Ο πατέρας του, αγρότης και επιθεωρητής γης, μετακόμισε με την οικογένεια του στην ενδοχώρα των Ηνωμένων Πολιτειών, μεταφέροντάς τους στην Αριζόνα και αργότερα στην Καλιφόρνια, αλλά ήταν αλκοολικός και τους εγκατέλειψε όταν ο Jackson ήταν μόλις 8 ετών.

Οι τέχνες ήρθαν φυσικά στον Pollock και μπήκε στο Manual Arts High School στο Λος Άντζελες ως έφηβος, ανακαλύπτοντας τη γλώσσα του σουρεαλισμού και της ψυχανάλυσης. Ο Pollock ήρθε για να ειδωλοποιήσει τους μεγαλύτερους αδελφούς του Charles και Sanford, που ήταν και οι δύο επίδοξοι καλλιτέχνες. Όταν εκείνοι έφυγαν από την Καλιφόρνια για τη ζωντανή καλλιτεχνική σκηνή της Νέας Υόρκης, σύντομα θα τουακολουθούσε.

Η ζωή του Pollock στη Νέα ΥόρκηAmerican abstract expressionist artist Jackson Pollock works on a painting at his studio, East Hampton, New York, 1950.

 

Στη Νέα Υόρκη Ο Pollock έζησε με τα δύο αδέρφια του στο Greenwich Village και σπούδασε ζωγραφική με τον τοπικό καλλιτέχνη Thomas Hart Benton.

Αφού πόζαρε για μια σειρά από τοιχογραφίες του Benton το 1930-31, γοητεύτηκε από την κλίμακα και το θαύμα της τοιχογραφίας, αναζητώντας τον Jose Clemente Orozco και τον Diego Rivera, ώστε να μπορέσει να δει την εκθαμβωτική τέχνη τους από πρώτο χέρι.

Μέχρι το 1936 είχε ενταχθεί στο στούντιο του David Alfaro Siqueros για να μάθει τοιχογραφία, αποκτώντας δεξιότητες που θα του επέτρεπαν να δημιουργήσει πίνακες σε εξωτερικούς χώρους για το Public Works of Art Project κατά τη διάρκεια της Μεγάλης Ύφεσης.

Με το Siqueros, ο Pollock πειραματίστηκε επίσης με εκφραστικά και αντισυμβατικά στυλ και υλικά ζωγραφικής, καθώς και με τεράστιες κλίμακες που θα επαναλαμβάνονταν στους μεταγενέστερους, τεράστιους καμβάδες του.

H πρώτη αφηρημένη τέχνη

Ο Jackson Pollock είχε επαναλαμβανόμενα προβλήματα με τον αλκοολισμό και το 1938, αφού κατέρρευσε ψυχολογικά,  δοκίμασε την ψυχανάλυση του Yung. Ο θεραπευτής του πρότεινε θεραπεία τέχνης. το έργο που προέκυψε από αυτήν την περίοδο αντικατοπτρίζει την ταραγμένη ψυχική του κατάσταση, με θυμωμένα, στροβιλιζόμενα ημιεικονιστικά σχήματα που συμπλέκονται μεταξύ τους σε σφιχτά δίκτυα, όπως The Flame, 1938 και Birth, 1941.

The Flame ( Η φλόγα), Jackson Pollock

 

Πολλαπλές επιρροές συγκεντρώθηκαν, συμπεριλαμβανομένων των μοτίβων και των χρωμάτων από την τέχνη των ιθαγενών της Αμερικής και του σουρεαλισμού του Pablo Picasso και του Joan Miro.

Το Mural, Jackson Pollock, 1943

Jackson Pollock: Ο άνθρωπος και ο θρύλος

Jackson Pollock: ¿cuánto cuesta su cuadro más caro?

La restauración de una obra de Jackson Pollock desentierra misterios |  Jackson pollock, Jackson pollock art, Action painting

 

 Ο Pollock γνώρισε και ερωτεύτηκε την καλλιτέχνιδα Lee Krasner τη δεκαετία του 1940 και η Krasner μύησε τον Pollock στον καλλιτεχνικό της κύκλο, συμπεριλαμβανομένου του σημαίνοντος καλλιτέχνη Hans Hoffmann, ο οποίος θα γινόταν μεγάλος υποστηρικτής της τέχνης του Pollock.

Το 1945 παντρεύτηκε την Αμερικανίδα καλλιτέχνιδα με την ισχυρή ειδικότητα στο κολάζ, η οποία αποτέλεσε σημαντική επιρροή τόσο στην καριέρα του όσο και στην κληρονομιά του.

Ο Pollock συνάντησε επίσης την γκαλερίστα Peggy Guggenheim και της έδειξε τη δουλειά του. Η Guggenheim ενθουσιάστηκε τόσο πολύ που τον κάλεσε να συμμετάσχει στην εκδήλωση The Art of This Century στη γκαλερί της στη Νέα Υόρκη και του έκανε την πρώτη του ατομική έκθεση το 1943.

Του ανέθεσε να φτιάξει έναν μεγάλο πίνακα για το διαμέρισμά της, με τίτλο Τοιχογραφία, 1943, μια σημαντική γέφυρα μεταξύ της προηγούμενης, σουρεαλιστικής ζωγραφικής του Pollock και των ώριμων πινάκων του.

Η δόξα

Autumn Rhythm, νούμερο 30, Jackson Pollock, 1950

Ο Pollock και η Krasner αγόρασαν ένα αχυρώνα στην περιοχή Springs του East Hampton στο Λονγκ Άιλαντ το 1945.

Ο Pollock μετέτρεψε τον αχυρώνα σε χώρο του στούντιο του, όπου ζωγράφιζε με τους καμβάδες του απλωμένους στο πάτωμα για να μπορεί να κινείται γύρω τους, στάζοντας υγρή μπογιά με ξυλάκια και μακριά πινέλα με γρήγορες, ρευστές κινήσεις χωρίς να αγγίζει την επιφάνεια.

Μεταξύ 1946 και 1952 έκανε τα πιο εμβληματικά έργα του, συμπεριλαμβανομένων των Summertime 9A, 1948, Autumn Rhythm (Number 30), 1950, Convergence, 1952, και Blue Poles, 1952.

Οι τίτλοι του έργου του έπαιρναν ολοένα και περισσότερες αριθμητικές αναφορές, αποκαλύπτοντας την απομάκρυνσή του από την εικονογράφηση στα βασίλεια της καθαρής αφαίρεσης.

Η τεχνική του Jackson Pollock, έχει τις ρίζες της στο έργο των Andre Masson και Max Ernst. O Pollock έγινε διάσημος  για το μοναδικό του στυλ ζωγραφικής με σταγόνες. 

Αρχικά, οι πίνακες με σταγόνες αντιμετωπίστηκαν με δυσπιστία κι επομένως είχαν χαμηλή αξία στις αγορές τέχνης. Ο κόσμος της τέχνης είχε ανάμεικτες αντιδράσεις σε αυτό το στυλ,  ενώ οι κριτικές ήταν πολλές. Η πρώτη του σειρά από πίνακες με σταγόνες έκανε το ντεμπούτο του στην γκαλερί Betty Parsons στη Νέα Υόρκη το 1948.

Τον Αύγουστο του 1949, το περιοδικό Life κυκλοφόρησε μια ιστορία με την ερώτηση: "Jackson Pollock: Είναι ο μεγαλύτερος εν ζωή ζωγράφος στις Ηνωμένες Πολιτείες;" Κι αυτό αναμφίβολα συνετέλεσε στη μεγάλη δημοσιότητα του έργου. 

Ο φωτογράφος Hans Namuth βοήθησε επίσης να εξασφαλίσει το ανάστημα του Pollock δημιουργώντας μια σειρά από εμβληματικές φωτογραφίες και μια ταινία του Pollock στη δουλειά, τονίζοντας τη συγχώνευση μεταξύ ζωγραφικής και performance ή Action Painting, στη ρίζα της τέχνης του Pollock.

Καλοκαίρι, αριθμός 9Α, Jackson Pollock, 1948

Το κόστος της επιτυχίας

Καθ` όλη τη διάρκεια της ανόδου του Pollock στη διεθνή φήμη, οίδιος αντιμετώπιζε συχνά σκληρή κριτική. Ο κριτικός τέχνης Rober Coates αποκάλεσε το έργο του «απλές μη οργανωμένες εκρήξεις τυχαίας ενέργειας, και ως εκ τούτου χωρίς νόημα». Μερικοί από τους συναδέλφους του καλλιτέχνες αγανάκτησαν επίσης με τη φήμη που είχε αποκτήσει, δημιουργώντας μια σφήνα ανάμεσα στις φιλίες τους.

Οι ιστορικοί της τέχνης έχουν επίσης πει ότι οι φωτογραφίες και το φιλμ του Namuth απομυθοποίησαν τη διαδικασία εργασίας του Pollock, προσδίδοντάς του μια ορισμένη τυποποιημένη προβλεψιμότητα. Η αντιμετώπιση αυτών των προκλήσεων αποδείχτηκε σχεδόν υπερβολική για τον Pollock, καθώς τα προβλήματα με το αλκοόλ επανεμφανίστηκαν, ενώ ο γάμος του έπεσε στα βράχια καθώς άρχισε να έχει εξωσυζυγικές σχέσεις.

The Deep, Jackson Pollock, 1953

Σε μια σειρά από νέους, ολόμαυρους πίνακες, ο Pollock εγκατέλειψε την τεχνική του drip, εξερευνώντας το σμάλτο που χύνεται ή ρίχνεται στον καμβά, όπως φαίνεται στο Echo: Number 25, 1951.

 

Αλλά το έργο ήταν λιγότερο δημοφιλές, αφήνοντάς τον σε βαθιά κατάθλιψη και στο αλκοόλ. Το αριστούργημά του, The Deep, 1953 εξέφραζε την εσωτερική αναταραχή με την οποία πάλευε. Το 1956, στα 44 του χρόνια,  ο Pollock τράκαρε το αυτοκίνητό του σε ένα δέντρο ενώ έπινε και οδηγούσε και πέθανε ακαριαία. Η νέα του κοπέλα Ruth Kligman, η οποία ήταν επίσης στο αυτοκίνητο, επέζησε. 

 

Η κληρονομιά που άφησε

 

Τον Δεκέμβριο του 1956, τέσσερις μήνες μετά τον θάνατό του, έγινε προς τιμή του μια αναμνηστική αναδρομική έκθεση στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης (MoMA) στη Νέα Υόρκη. Μια μεγαλύτερη, πιο ολοκληρωμένη έκθεση της δουλειάς του πραγματοποιήθηκε εκεί το 1967. Το 1998 και το 1999, το έργο του τιμήθηκε με μεγάλης κλίμακας αναδρομικές εκθέσεις στο MoMA και στο The Tate στο Λονδίνο.

Η σύζυγος του Pollock, Lee Krasner, ίδρυσε το Ίδρυμα Pollock-Krasner μετά τον θάνατο του Pollock το 1956, έναν οργανισμό που παρέχει οικονομική βοήθεια σε καταξιωμένους καλλιτέχνες.

Το σπίτι στο Σπρινγκς όπου ζούσε ο Πόλοκ με τη σύζυγό του Κράσνερ έχει πλέον απαθανατιστεί ως το Κέντρο Σπιτιών και Σπουδών Pollock-Krasner, ένα σημαντικό τουριστικό αξιοθέατο στην περιοχή του East Hampton. Το πάτωμα του στούντιο όπου ο Pollock έκανε τους πιο διάσημους πίνακές του είναι ακόμα βαμμένο με τα απομεινάρια της καλλιτεχνικής του διαδικασίας.
 

Στις δημοπρασίες σήμερα, η τέχνη του Pollock φτάνει σε αστρονομικές τιμές, ιδιαίτερα οι πίνακές του από τα τέλη της δεκαετίας του 1940 και τις αρχές της δεκαετίας του 1950.

Οι πρόσφατες υψηλές τιμές περιλαμβάνουν το Number 32, 1949, που πωλήθηκε το 2018 για 34,1 εκατομμύρια δολάρια, το No. 17A, 1948, το οποίο πωλήθηκε το 2016 για 200 εκατομμύρια δολάρια,  το Number 19, του 1948 το 2013 για 58,4 εκατομμύρια δολάρια, το Νο. 5, του 1948 για 140 εκατομμύρια δολάρια το 2006 και η διάσημη, παλαιότερη Τοιχογραφία του, το 1943 για την Peggy Guggenheim συγκέντρωσε 114 εκατομμύρια δολάρια την ίδια χρονιά, καθιστώντας τον Pollock έναν από τους πιο ακριβούς καλλιτέχνες του κόσμου όλων των εποχών.

 

Το "Number 17Α" δεν σχεδιάστηκε τυχαία.

 

 

Φτιαγμένο σε σανίδες με καμβά και χρησιμοποιώντας μόνο λαδομπογιές, το Number 17A μοιάζει με ένα ακατάστατο αντικατοπτρισμό μοτίβων και χρωμάτων. Είναι ένα χαρακτηριστικό της σειράς ζωγραφικής του Pollock και ένα από τα παλαιότερα κομμάτια αυτής της σειράς. Θεωρείται από τα καλύτερα παραδείγματα της ριζοσπαστικής και εξαιρετικά μοναδικής μορφής τέχνης της ζωγραφικής με σταγόνες, την οποία ο Pollock εισήγαγε  το 1947. 

 

Η αφθονία της βαφής δημιουργεί μια πολύπλοκη χρωματική δίνη όπου το επάνω και το κάτω στρώμα είναι αδύνατο να διαφοροποιηθούν. Οι μουτζούρες κίτρινου, μπλε και μαύρου βοηθούν στην απαλότητα της εικόνας, ενώ τρεις σχεδόν παράλληλες λευκές πινελιές τραβούν την προσοχή μας και κατευθύνουν το βλέμμα μας στην εικόνα διαγώνια προς τα πάνω.

Παρόλο που ένας τέτοιος πίνακας δίνει την εντύπωση ότι δημιουργήθηκε τυχαία και αυθόρμητα, ο Pollock χρησιμοποίησε ακριβή κίνηση κι έλεγχο για να το ζωγραφίσει. 

Number 17A I - Jackson Pollock - Framed Prints by Jackson Pollock | Buy  Posters, Frames, Canvas & Digital Art Prints | Small, Compact, Medium and  Large Variants

 Ο Pollock σχεδίαζε ελεύθερα γραμμές και δεν χρησιμοποίησε κανένα είδος γεωμετρικών σχημάτων ή γραμμών. Το έργο φαίνεται σαν να είχε ζωγραφιστεί τυχαία από την αρχή. Δεν έχει χρησιμοποιήσει τίποτα άλλο όπως χάρακα ή αντικείμενο για να τον βοηθήσει να σχεδιάσει, χρησιμοποίησε μόνο τη φαντασία και την καρδιά του.

 Ο Pollock χρησιμοποιεί άμορφα σχήματα επειδή στη ζωγραφική τα σχήματα και οι γραμμές που χρησιμοποιούνται δεν έχουν σαφή ορισμό. Οι γραμμές δεν είναι οριζόντιες, κάθετες και διαγώνιες. Οι γραμμές είναι ως επί το πλείστον τυχαίες όπως σε μια αφηρημένη τέχνη. Είναι μια αφηρημένη τέχνη, γιατί η τέχνη δεν μιμείται ούτε αναπαριστά ξεκάθαρα την ορατή πραγματικότητα. Είναι επίσης μη αντικειμενικό γιατί δεν περιέχει ή δεν έχει καμία αναφορά στον πραγματικό κόσμο και τις συνθέσεις του πίνακα όπως γραμμή, σχήμα, το χρώμα και η υφή είναι χωρίς αναγνωρίσιμο θέμα. Αυτός ο πίνακας χρησιμοποιεί όλα τα είδη χρωμάτων όπως μπλε, κόκκινο, λευκό, μαύρο, κίτρινο, κ.λπ. Αυτός ο πίνακας χρησιμοποιεί τα περισσότερα από τα χρώματα από την απόχρωση. Αυτός ο πίνακας αποτελείται από ζεστά και κρύα χρώματα όπως το μπλε και το πορτοκαλί. Έχει επίσης και βασικά και δευτερεύοντα χρώματα. Έχει ανάλογα και συμπληρωματικά χρώματα γιατί χρησιμοποιεί χρώμα το ένα δίπλα στο άλλο και απέναντι στον χρωματικό τροχό δώδεκα σημείων. 

 

Παγκόσμιο ρεκόρ 

 

Είναι εντυπωσιακό ότι το 2015, πουλήθηκε από το Ίδρυμα David Geffen στον Αμερικανό διαχειριστή hedge fund και δισεκατομμυριούχο Kenneth C. Griffin για 200 εκατομμύρια δολάρια. Αυτό κάνει τον εν λόγω πίνακα τον πέμπτο πιο ακριβό που πουλήθηκε ποτέ στην ιστορία.Πριν από την πώλησή του, ο πίνακας είχε εκτεθεί στο Ινστιτούτο Τέχνης του Σικάγο.Ο πίνακας πιθανότατα αυτή τη στιγμή εκτίθεται σε ένα από τα ιδιωτικά σπίτια του Griffin. Ο Griffin είναι ένας γνωστός, άπληστος συλλέκτης έργων τέχνης, ιδιοκτήτης μερικών από τους πιο ακριβούς πίνακες στον κόσμο, συμπεριλαμβανομένου του Interchanged του Willem de Kooning και το False Start του καλλιτέχνη Jasper Johns.

Lifetime achievement award: Ken Griffin - Risk.netO Αμερικανός διαχειριστής hedge fund και δισεκατομμυριούχος Kenneth C. Griffin

Η τιμή θέτει το παγκόσμιο ρεκόρ για τον πιο ακριβό πίνακα που πουλήθηκε ποτέ σε εκείνο το σημείο. Το προηγούμενο ρεκόρ κατείχε το Water Serpents II του Gustav Klimt. Το Water Serpents II πουλήθηκε σε ιδιωτική πώληση στα 183,8 εκατομμύρια δολάρια το 2013. 

Water Serpents II - WikipediaWater Serpents II του Klimt