04 Ιανουαρίου 2022

Τα 10 πιο αμφιλεγόμενα έργα τέχνης του 20ού αιώνα

έργα τέχνης | αμφιλεγόμενα | 20ός αιώνας
Έργα τέχνης που προκαλούν με τα θέματά τους- ανάμεσά τους ο πίνακας του Balthus. Μάθημα Κιθάρας,  που σήμερα ανήκει στη συλλογή του Σταύρου Νιάρχου.
Έργα τέχνης που προκαλούν με τα θέματά τους- ανάμεσά τους ο πίνακας του Balthus. Μάθημα Κιθάρας, που σήμερα ανήκει στη συλλογή του Σταύρου Νιάρχου.

 

Ο 20ός αιώνας έφερε νέους ριζοσπαστικούς τρόπους έκφρασης με έργα που συγκλόνισαν τον κόσμο- από τη Μοντέρνα Τέχνη και τον Φωβισμό, στον Κυβισμό και τον Ντανταϊσμό. Παρουσιάστηκε μια ριζική αλλαγή από τις κλασικές επιρροές της Αναγέννησης του 19ου αιώνα, τόσο καλλιτεχνικά όσο και πολιτικά και κοινωνικά.

Ο Πρώτος και ο Δεύτερος Παγκόσμιος Πόλεμος σημάδεψαν ένα καταθλιπτικό κλίμα, καθώς η ευρωπαϊκή κρίση και το μεγάλο κραχ συγκλόνισαν την κοινωνία στον πυρήνα της. Η βιομηχανική επανάσταση ακολούθησε με την άνοδο σε νέες ιδέες, θεωρίες, σύμβολα και τεχνικές. Αυτό είχε ως αποτέλεσμα να διαμορφωθούν πολλά καλλιτεχνικά κινήματα που γνωρίζουμε σήμερα. Από τον εξπρεσιονισμό και τον αφηρημένο εξπρεσιονισμό, τον κυβισμό, τον φωβισμό, τον ντανταϊσμό, τον σουρεαλισμό και την pop art, μεταξύ άλλων. 

Ποια είναι όμως τα έργα τέχνης που δίχασαν και σόκαραν τους φιλότεχνους και όχι μόνο :

Pablo Picasso, Les Demoiselles d`Avignon, 1907

 

Les Demoiselles d`Avignon, Pablo Picasso, 1907, via MoMa

Σε αυτό το έργο που δημιούργησε ο Picasso το 1907, βλέπουμε  πέντε γυμνές γυναικείες φιγούρες σε αντίθεση με την εποχή των στρογγυλεμένων και αισθησιακών γυναικών. Ο Picasso μας δείχνει πέντε γυμνές ιερόδουλες, σε δύο διαστάσεις από έναν οίκο ανοχής στη Βαρκελώνη. Μια ιδέα που δεν έγινε αποδεκτή κατά την έκθεσή της στο Παρίσι. Με τη γεωμετρία της μορφής, αυτός ο πίνακας έγινε η αφετηρία ενός νέου κινήματος - του Κυβισμού. Μετά την έκθεση, το έργο τέχνης ξεχάστηκε στο στούντιο του Picasso για χρόνια. Αργότερα εκτέθηκε στις αρχές της δεκαετίας του 1920 από τον Jacques Doucet (διάσημο Γάλλο συλλέκτη έργων τέχνης). Σήμερα, βρίσκεται στο στο MοΜΑ  (Moυσείο Μοντέρνας Τέχνης στη Νέα Υόρκη). 

Marcel Duchamp, Fountain, 1917

 

Fountain, Marcel Duchamp, 1917, via WikiArt

Αυτό είναι το ουρητήριο που ο Marcel Duchamp  αγόρασε, έγραψε ένα ψεύτικο όνομα «R. Mutt` στην κάτω άκρη, το έβαλε σε μια γκαλερί και το ονόμασε Fountain. Θεωρείται το πιο αμφιλεγόμενο έργο τέχνης του 20ου αιώνα, επειδή ήταν απλώς ένα συνηθισμένο αντικείμενο που παρουσιάζεται ως έργο τέχνης κύρους.

Έστειλε το έργο τέχνης του στην επιτροπή ελέγχου της Εταιρείας Ανεξάρτητων Καλλιτεχνών, στη Νέα Υόρκη και  δεν απορρίφθηκε αλλά το ουρητήριο αποκλείστηκε από την παράσταση.  Ακολούθησε η δημοσίευση ενός άρθρου που πιστεύεται ότι γράφτηκε από τον ίδιο τον Duchamp- το οποίο έλεγε: «πήρε ένα συνηθισμένο άρθρο ζωής, το τοποθέτησε έτσι ώστε να είναι χρήσιμο. Η σημασία εξαφανίστηκε κάτω από τον νέο τίτλο και άποψη – δημιούργησε μια νέα σκέψη για αυτό το αντικείμενο». Αυτή η έννοια της «έτοιμης» τέχνης συνοψίζει τις μεταβαλλόμενες αντιλήψεις για το τι θα μπορούσε να είναι η τέχνη και ιδιαίτερα τις συμβάσεις του κινήματος του Ντανταϊσμού. 

Balthus, The Guitar Lesson, 1934

 

The Guitar Lesson, Balthus, 1934, via Steemit

Ο αμφιλεγόμενος Γάλλος ζωγράφος Balthasar Klossowski de Rola, γνωστός ως Balthus, είναι σίγουρα ένας από τους μεγαλύτερους καλλιτέχνες του 20ου αιώνα. Πρόκειται για έναν νοσταλγικό “εραστή” της εποχής της αθωότητας, μοναχικό και μυστηριώδη που δημιούργησε αυτόν τον πίνακα με το ιδιαίτερα ενοχλητικό κι απαράδεκτο θα έλεγα,  θέμα.  Μια δασκάλα κιθάρας με τη νεαρή μαθήτριά της να απλώνεται στα πόδια της με τη φούστα της ανασηκωμένη και τα γεννητικά της όργανα ακάλυπτα. Η δασκάλα παίζει την μαθήτρια σαν μουσικό όργανο. Τα δάχτυλά της χτυπούν τις αόρατες χορδές της κιθάρας μέσα στους μηρούς της. Ο πίνακας προκάλεσε πολλές αντιδράσεις και συζητήσεις για τις προθέσεις του Balthus. Αυτός ο πίνακας άλλαξε χέρια πολλές φορές αλλά σήμερα ανήκει στη συλλογή του Έλληνα εφοπλιστή Σταύρου Νιάρχου.

 

 Robert Rauschenberg, Erased De Kooning, 1953

 

Erased De Kooning, Robert Rauschenberg, 1953, via SFMOMA

Όσο περίεργο και να φαίνεται, και όμως πρόκειται για έργο τέχνης που δημιουργήθηκε από τον Αμερικανό καλλιτέχνη Robert Rauschenberg. Ήταν το έτος 1953 και ο Ολλανδό -Αμερικανός καλλιτέχνης De Kooning ήταν ένας θρύλος. Ένας από τους μεγαλύτερους ζωγράφους του κινήματος του Αφηρημένου Εξπρεσιονισμού εκείνης της εποχής, το όνομά του προκαλούσε αυτοπεποίθηση και φόβο. Μια μέρα, ο Robert Rauschenberg ζήτησε από τον De Kooning να έχει έναν από τους πίνακές του.  Ο De Kooning δεν ένιωσε πολύ ενθουσιασμό στην αρχή, αλλά στη συνέχεια συμφώνησε και του έδωσε ένα από τα πιο σημαντικά έργα τέχνης του.

Μετά από λίγους μήνες, ο Robert Rauschenberg έσβησε τον πίνακα και τον ονόμασε δικό του, με τίτλο "Erased De Kooning", "σβησμένος De Kooning" δηλαδή. Ναι, ήταν κενό. Ήταν όμως τέχνη; Όπως δηλαδήείπε ο Picasso, «Κάθε πράξη δημιουργίας είναι πρώτα μια πράξη καταστροφής». Οι κριτικοί ήταν προφανώς μπερδεμένοι. Η πρόθεση του Rauschenberg ήταν να επιτεθεί στον αφηρημένο εξπρεσιονισμό και να δώσει καλλιτεχνική αξία στην καταστροφή ενός από τα έργα τέχνης του. Το έργο τέχνης στεγάζεται τώρα στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης στο Σαν Φρανσίσκο.

 

Andy Warhol, Campbell`s Soup Cans, 1962

 

Campbell’s Soup Cans, Andy Warhol, 1962, photograph by Steve Harris

Οι περισσότεροι έχουμε δει τα διάσημα κουτάκια με τη σούπα του Campbell. Ποιος θα φανταζόταν ότι θα αποτελούσε πηγή έμπνευσης για να γίνει ένα από τα διασημότερα έργα τέχνης, δια χειρός Andy Warhol. Ο εν λόγω καλλιτέχνης ήταν ένας από τους πιο εξέχοντες δημιουργούς και εξωφρενικές μορφές του 20ού αιώνα. Μόνο εκείνος θα μπορούσε να πετύχει ένα τόσο τολμηρό κατόρθωμα- να μεταμορφώσει τα κουτάκια σούπας σε έργο τέχνης. Ο ίδιος έτρωγε αυτή τη σούπα καθημερινά για 20 χρόνια και στη συνέχεια την ενσωμάτωσε στην ιστορία της τέχνης. Οι κριτικοί είχαν τρελαθεί με το εύρημά του καλλιτέχνη που ανήγαγε έναν θεσμοθετημένο τομέα όπως η τέχνη σε μια απλή επίσκεψη στο σούπερ μάρκετ. Και όμως, η  Pop Art ξεπέρασε αυτά τα συνηθισμένα αντικείμενα και συμπεριέλαβε τα θέματα της μαζικής κουλτούρας, εκείνα που ευθυγραμμίζονται με την πραγματικότητα της καταναλωτικής κοινωνίας.


 

 Richard Serra, Tilted Arc, 1981

 

Tilted Arc, Richard Serra, 1981, via Youtube

 

Ο Richard Serra είναι ένας διάσημος Αμερικανός γλύπτης και δημιουργός ενός από τα πιο αμφιλεγόμενα έργα του 20ού αιώνα: το Tilted Arc. Αυτό το τεράστιο γλυπτό εγκαταστάθηκε το 1982 στο Foley Federal Plaza στη Νέα Υόρκη. Το υπερβολικό μέγεθός του: ένας τοίχος από χάλυβα Corten, 12 πόδια ύψος και 120 πόδια μήκος, χώριζε το τετράγωνο σε δύο μέρη. Το έργο τέχνης χτίστηκε μέσα στη δομή του χώρου και συλλήφθηκε από τον Serra ως ένα κρίσιμο κομμάτι για να «επαναπροσδιορίσει» την πλατεία, και όχι απλώς ως διακοσμητικό αντικείμενο.

Πώς άραγε να φαινόταν στον κόσμο; Δεν άρεσε σε κανέναν! Για όσους δούλευαν και ζούσαν εκεί, ο ατσάλινος τοίχος έκλεινε το μονοπάτι και το θεωρούσαν συντριπτικό και καταθλιπτικό. Οι New York Times το περιέγραψαν ως ένα από τα πιο άσχημα δημόσια έργα τέχνης στην πόλη και κάποιοι το ονόμασαν Τείχος του Βερολίνου της Federal Plaza.  Τι συνέβη τελικά; Mετά από πολλές διαμάχες (συμπεριλαμβανομένων των πιο διάσημων δοκιμών τέχνης στην ιστορία), το γλυπτό κόπηκε σε τρία κομμάτια και αφαιρέθηκε από την πλατεία το 1989. Σήμερα αποθηκεύεται με ασφάλεια σε έναν αποθηκευτικό χώρο στο Μέριλαντ.

Andres Serrano, Piss Christ, 1987

 

Piss Christ, Andres Serrano, 1987, via Renew the Arts

Μια φωτογραφία του Χριστού στον σταυρό μέσα σε ένα δοχείο γεμάτο ούρα του καλλιτέχνη. Ειλικρινά ντρέπομαι που κάποιος όχι μόνο σκέφτηκε αλλά και πραγματοποίησε αυτή την αχαρακτήριστη ιδέα. Και όμως, ο Αμερικανός καλλιτέχνης Andres Serrano δημιούργησε αυτό το “έργο τέχνης” το 1987. Είναι η πρώτη φορά που βάζω σε εισαγωγικά τις λέξεις έργο τέχνης γιατί κατά τη γνώμη μου, πρόκειται για ιεροσυλία. Αυτό το “έργο” λοιπόν, όπως ήταν αναμενόμενο δημιούργησε τέτοια διαμάχη στην καλλιτεχνική κοινότητα. Ως χριστιανός, θεωρούσε το έργο τέχνης του μια θρησκευτική δήλωση, η οποία δείχνει τη διφορούμενη σχέση μεταξύ του ιερού και του βέβηλου.

Η ουσία που χρησιμοποίησε δεν επιλέχθηκε τυχαία. Είχε τους λόγους του, αλλά ισχυρίστηκε ότι κανείς δεν τον ρώτησε ποτέ γιατί. Το αίμα προήλθε από τον Χριστό, αλλά και τα ούρα με τον ίδιο τρόπο, άρα υπάρχει ακόμα ένα ιερό συστατικό στην ιδέα. Κατά τη γνώμη του η τέχνη πρέπει πάντα να προκαλεί  συναισθήματα και οι άνθρωποι να μην μένουν αδιάφοροι σε αυτήν. Σε αυτό δεν είχε άδικο, αρκεί όμως να μην ξεπερνιούνται κάποια βασικά όρια  και πεποιθήσεις …

Scott Tyler, Dread, 1989

 

What is the appropriate way to display the American flag? Scott Tyler, 1989, via Dread Scott

Το 1989, ο Scott Tyler ήταν απλώς μαθητής γυμνασίου στο Ινστιτούτο Τέχνης του Σικάγο. Εκεί παρουσίασε το πρώτο του έργο τέχνης με τίτλο " ποιος είναι ο κατάλληλος τρόπος για να φανεί η αμερικανική σημαία;" Η σημαία των ΗΠΑ ήταν ξαπλωμένη στο πάτωμα. Τοποθετήθηκε με στρατηγικό τρόπο, έτσι ώστε οι θαμώνες που θέλουν να διαβάσουν το εγχειρίδιο ανάρτησης θα πρέπει να πατήσουν τη σημαία.

Αρκετοί επισκέπτες αγανάκτησαν καθώς παραβίαζε την τροπολογία για τη βεβήλωση της σημαίας. Ακόμη και ο Πρόεδρος Μπους επέκρινε το έργο τέχνης ως επαίσχυντο, όπως και πολλοί άλλοι. Ωστόσο, υπήρχαν απόψεις κάθε είδους. Με αυτό το έργο, ο Scott Tyler ήθελε να καταδείξει την αδυναμία ενός σημαντικού ανθρώπινου δικαιώματος: της ελευθερίας της έκφρασης.

Marcus Harvey, Myra, 1995

 

Myra, Marcus Harvey, 1995, via Saatchi Gallery

Είναι η πιο κακιά γυναίκα στη Βρετανία. Όλος ο κόσμος μπορούσε να τη δει στην έκθεση της Βασιλικής Ακαδημίας του Λονδίνου,  το 1997. "Αίσθηση", όπως ονομαζόταν η έκθεση, ήταν η συλλογή του Charles Saatchi, που παρουσίαζε έργα τέχνης νέων καλλιτεχνών. Ένα από αυτά ήταν ένα μεγάλο πορτρέτο της Myra, από τον Marcus Harvey. Η ιστορία πίσω από αυτό το έργο ήταν τρομακτική. Αφορούσε μια γυναίκα που τη δεκαετία του 1960, μαζί με το αγόρι της, βίασε, βασάνισε και δολοφόνησε πέντε εφήβους, ηλικίας μεταξύ 10 και 17 ετών. Τα πτώματα τους θάφτηκαν σε ένα βαλτότοπο κοντά στο Μάντσεστερ. Χωρίς καμία αμφιβολία, αυτό το έργο τέχνης προκάλεσε μεγάλη οργή στο Ηνωμένο Βασίλειο και στο εξωτερικό. Στην έκθεση ο πίνακας υπέστη ζημιές από το κοινό και έπρεπε να προστατευτεί με οθόνη.

 Ο πίνακας είναι θολός και με εικονοστοιχεία, αλλά μετά από προσεκτικότερη εξέταση, αυτά τα εικονοστοιχεία ήταν αποτυπώματα χεριών ενός παιδιού. Η αρνητική αντίδραση του κοινού για τον πίνακα ήταν αναμενόμενη. 

Chris Ofili, The Holy Virgin Mary, 1996

 

The Holy Virgin Mary, Chris Ofilia, 1996, via MoMA

Αυτός ο πίνακας του Βρετανού καλλιτέχνη Chris Ofili παρουσιάζει μια μαύρη Παναγία που περιβάλλεται από ένα κολάζ που μοιάζει με πεταλούδες, αλλά είναι φωτογραφίες γυναικείων γεννητικών οργάνων . Το ζωγράφισε χρησιμοποιώντας κοπριά ελέφαντα, με τίτλο The Holy Virgin Mary που εκτέθηκε στο Μουσείο του Μπρούκλιν το 1999.

Ήταν Οκτώβριος του 1999 και ο Άγγλος συλλέκτης Charles Saatchi προώθησε μια έκθεση στη Νέα Υόρκη για το κίνημα Young British Arts (YBAs). Μεταξύ άλλων έργων τέχνης, ο δήμαρχος της πόλης εκείνης της εποχής, Rudi Giuliani, είχε την ευκαιρία να επιθεωρήσει αυτό το έργο. Φυσικά σοκαρισμένος, περιέγραψε τον πίνακα ως άρρωστο και αηδιαστικό και προσπάθησε να αποσύρει την ετήσια επιχορήγηση στο Μουσείο του Μπρούκλιν. Ωστόσο, το μουσείο αντιστάθηκε και κέρδισε την υπόθεση στο δικαστήριο.